AugustO Monterroso. El padre del Cuento brEVe LATINOAMERICANOI

Augusto Monterroso (Tegucigalpa, 21 de diciembre de 1921 – Ciudad de México, 7 de febrero de 2003), fue unescritor hondureño que adoptó la nacionalidad guatemalteca, conocido por sus relatos brevesAugusto Monterroso nació el 21 de diciembre de 1921 en Tegucigalpa, la capital de Honduras, hijo del guatemalteco Vicente Monterroso y de la hondureña Amelia Bonilla.¹ Pasó su infancia y adolescencia en Guatemala, país que consideró clave en su formación, y que asimismo hizo su patria:¹

El medio y la época en que me formé, la Guatemala de los últimos treinta y los primeros cuarenta, del dictador Jorge Ubico y sus catorce años de despotismo no ilustrado, y de la Segunda Guerra Mundial, contribuyeron sin duda a que actualmente piense como pienso y responda al momento presente en la forma que lo hago.²

Al estallar en 1944 las revueltas contra el dictador Jorge Ubico, Monterroso desempeñó un activo papel, lo que le llevó a la cárcel al tomar el poder el general Federico Ponce Vaides, pero en septiembre logró escapar de prisión y pidió asilo en la embajada de México.³ Tras la revolución de octubre en Guatemala, encabezada por Jacobo Arbenz, Monterroso fue designado para un cargo en el consulado de Guatemala en México, donde permaneció hasta 1953. Tras la caída de Arbenz se exilió en Chile, donde trabajó como secretario de Pablo Neruda, para retornar a México en 1956, país en el que iba a establecerse definitivamente.⁴

Narrador y ensayista, empezó a publicar sus textos a partir de 1959, año en que se publicó la primera edición de Obras completas (y otros cuentos), conjunto de incisivas narraciones donde comienzan a notarse los rasgos fundamentales de su narrativa: una prosa concisa, breve, aparentemente sencilla que sin embargo está llena de referencias cultas, así como un magistral manejo de la parodia, la caricatura, y el humor negro.

Tito, como lo llamaban sus allegados, el gran escritor de cuentos y fábulas breves, falleció de un paro cardíaco el 7 de febrero de 2003. Estuvo casado con la escritora de origen libanés Bárbara Jacobs.⁵

Obra y crítica[editar]

Es considerado como uno de los maestros de la mini-ficción y, de forma breve, aborda temáticas complejas y fascinantes, con una provocadora visión del mundo en el universo y una narrativa que deleita a los lectores más exigentes, haciendo habitual la sustitución del nombre por el apócope.^{[cita requerida]} Entre sus libros destacan además: La oveja negra y demás fábulas (1969), Movimiento perpetuo (1972), la novela Lo demás es silencio (1978); Viaje al centro de la fábula(conversaciones, 1981); La palabra mágica (1983) y La letra e: fragmentos de un diario (1987). En 1998 publicó su colección de ensayos La vaca.

Su composición Cuando despertó, el dinosaurio todavía estaba allí, estaba considerada como el microrrelato más breve de la literatura universal hasta la aparición de El emigrante de Luis Felipe Lomelí. Ha sido incluido en una docena de antologías y traducido a varios idiomas, además de tener una edición crítica de Lauro Zavala titulada El dinosaurio anotado.⁶ Con razón, Monterroso aseveró sobre este micro-relato que "sus interpretaciones eran tan infinitas como el universo mismo". En 1970 ganó el premio Magda Donato, en 1975 el Premio Xavier Villaurrutia por Antología personal,⁷ y en 1988 le fue entregada la condecoración del Águila Azteca, por su aporte a la cultura de México. Fue galardonado con el Premio FIL de Literatura en Lenguas Romances (México) en 1996. En 1997 el Ministerio de Cultura y Deportes de Guatemala le otorgó el Premio Nacional de Literatura "Miguel Ángel Asturias". En 2000 le fue concedido el Premio Príncipe de Asturias de las Letras en reconocimiento a toda su carrera.⁸ En las palabras del jurado: «su obra narrativa y ensayística constituye todo un universo literario de extraordinaria riqueza ética y estética, del que cabría destacar un cervantino y melancólico sentido del humor. (...) Su obra narrativa ha transformado el relato breve»

True detective . Mi serie FavoritisimA

Ir a cultura

10 motivos por los que 'True Detective' ya es una de las series del año

Por: Natalia Marcos | 11 de marzo de 2014

Breve pero intensa. Muy intensa. Así ha sido esta primera temporada de True Detective. La serie se ha despedido tras ocho capítulos en los que se la ha encumbrado como uno de los títulos televisivos del año. Con la marca de identidad de la cadena HBO (en España se puede ver en Canal +), saliéndose de la norma, con diálogos cuidados línea por línea, unos protagonistas en estado de gracia... Repasamos algunas de las razones por las que True Detective te ha obsesionado durante estas semanas.

- Es hipnótica

De principio a fin. Por la ambientación, el tratamiento de la imagen, los paisajes de Louisiana, la fotografía, incluso por el tono de voz de los protagonistas. Es una serie densa, que necesita que el espectador tenga todos los sentidos alerta. Posiblemente no es para todos los públicos, pero ya lo dijo David Simon: "que se joda el espectador medio". Bendita HBO y benditas cadenas que apuestan por series así.

- Matthew McConaughey 

Es indudable que el actor texano está en racha. A los premios que ha recogido por su papel de enfermo de sida en Dallas Buyers Club (incluido el Oscar) se suma el aplauso generalizado de crítica y público por su interpretación del detective Rust Cohle, un papel para cuya preparación llegó a escribir 450 páginas describiendo el personaje, su historia ylas etapas por las que pasa en los 17 años que dura la investigación de los crímenes. Aunque a su lado no brille tanto, Woody Harrelson le da la réplica de forma más que digna.

- Los personajes por encima de la trama

Desde el principio, True Detective se centra más en los detectives en sí que en la investigación, que casi es una excusa para el desarrollo de la personalidad de los dos protagonistas (además de servir de munición para que los fans pudieran dar rienda suelta a todo tipo de teorías posibles). Seguir a los mismos personajes durante un periodo de tiempo tan extenso -de 1995 a 2012- ha dado una panorámica más amplia de su forma de ser y cómo les ha afectado los acontecimientos y su vida personal en sus diferentes fases personales.

- Su banda sonora

En el blog Muro de Sonido, David Bizarro hacía un repaso a la música que forma su banda sonora. Far From Any Road, de The Handsome Family, el tema que suena en los títulos de crédito, marca la línea del resto de composiciones musicales. El responsable de la banda sonora es T Bone Burnett, que ha elegido para la serie temas de Bob Dylan, Grinderman, Bo Diddley, Nick Cave o The Staple Singers. El tema final es The Angry River y suena así (ojo, el vídeo tiene imágenes del último capítulo):

- La estructura narrativa

Se podría decir que True Detective es una película de ocho horas. Todos los episodios de la primera temporada están dirigidos por la misma persona, Cary Fukunaga, algo poco habitual en las series estadounidenses, y tienen el guion (también en solitario) de Nic Pizzolatto, showrunner de la serie. Por otra parte, cuenta una historia autoconclusiva. Tampoco es convencional la narración con tantos saltos en el tiempo en tan pocos episodios. Además, los capítulos estaban repletos de pistas que señalaban a diferentes aspectos de la propia historia, metarreferencias que han ayudado a crear la mitología de la serie. 

- No te saltas su cabecera

De los títulos de crédito de la serie ya hemos hablado en un post anterior, no nos vamos a repetir. Pero es un motvo más y, como tal, debía estar aquí.

- Las referencias literarias

The King in Yellow (El Rey de Amarillo) es una obra de relatos breves del escritor Robert W. Chambers. La ciudad de Carcosa aparece también en la obra de Chambers, aunque la tomó prestada, como otros elementos, del escritor Ambrose Bierce. Otros autores que han influido en la serie de Nic Pizzolatto son H.P. Lovecraft, Laird Barron, Raymon Chandler, Robert Heinlein, Grant Morrison o las reflexiones filosóficas de Thomas Ligotti, E.M. Cioran y Nietzsche. En Icon publicaban una detallada recopilación de las influencias de la serie.

- Ese plano secuencia

El final del cuarto capítulo. Quienes lo han visto ya saben a qué nos referimos. Seis minutos en los que la cámara graba sin parar siguiendo a los protagonistas en una secuencia que te obliga a no pestañear hasta el final. Para disfrutarlo una y otra vez. Puro arte. Pura televisión.

- Las frases y los discursos filosóficos

"El mundo necesita hombres malos. Mantenemos a los otros hombres malos a raya".

"Claro que soy peligroso, soy policía. Podría hacer cosas terribles a la gente con total impunidad".

"Creo que la conciencia humana es un trágico paso en falso en la evolución".

"En la eternidad, donde no existe el tiempo, nada puede crecer, nada puede llegar a ser, nada cambia. Por eso la muerte creó el tiempo, para cultivar las cosas que matará".

"Yo no duermo, solo sueño". 

Por supuesto, todas estas frases son de Rust (McConaughey). En ningún capítulo pueden faltar sus reflexiones metafísicas.

- Ya la echamos de menos

Es una de las características de las grandes series. Igual que echamos de menosBreaking Bad, ha sido terminar True Detective y empezar a añorarla. Lo bueno es que regresará, pero lo hará con otra historia y otros personajes diferentes. Y quién sabe si logrará mantener el nivel. También como ocurre con muchas grandes series, el final de la historia no ha dejado satisfecho a todo el mundo (no todas son capaces de tener un final como el de A dos metros bajo tierra).

En cualquier caso, el viaje ha sido para recordar. Una pesadilla fascinante. Una experiencia para revivir una y otra vez por estos 10 motivos y otros 10 más.

Basquiat: Del callejón al Guggenheim. Un artista notable.

Basquiat: Del callejón al Guggenheim

• Vivió 27 años. Su carrera artística duró apenas ocho.

• Empezó haciendo graffitis con el 'tag' SAMO©.

• Pintó cerca de 1.000 cuadros y realizó otros 2.000 dibujos

• Compartió lienzos con Andy Warhol. Fue novio de Madonna. Participó de la explosión del hip hop en Nueva York de los 80.

• Fue el artista afroamericano más importante de todos los tiempos.

• Así aparece Jean-Michel Basquiat en la gran exposición que le dedica el Guggenheim de Bilbao.

Un objeto encontrado que se convierte en arte. Cortar y pegar de diferentes medios:el acontecimiento deportivo del fin de semana, aquel libro de Mark Twain sobre la mesilla de noche, las noticias de la tele, la Biblia, las polaroids de aquella fiesta... Dedicarle el mismo interés a Leonardo Da Vinci que a Cy Twombly y que al amigo graffitero muerto a manos de la policía. Contradicciones y oposiciones:blanco contra negro, rico contra pobre, clásico contra moderno. Imágenes y texto. Beethoven, Charlie Parker, Blondie,Run DMC... Si hubiese aparecido en estos tiempos, el arte de Jean-Michel Basquiat podría entenderse como hijo de la era de internet: igual que esa pantalla con muchas ventanas del navegador abiertas y diferentes aplicaciones funcionando al mismo tiempo. Pero Basquiat murió en 1988, víctima de una sobredosis a los 27 años. Internet todavía tardaría una década en instalarse en las vidas de la gente. Por eso, la gran exposición que le dedica el Museo Guggenheim de Bilbao, la mayor jamás celebrada en España sobre el artista afroamericano más importante de todos los tiempos, tiene ese aire de premonición y de actualidad. También su visión del racismo y la opresión en la que viven los negros en Estados Unidos, en un momento en que vuelven a verse escenas de revueltas en lugares como Baltimore o Ferguson (Missouri). No es gratuito el título de la muestra: 'Ahora es el momento', una frase que Basquiat extrajo de una canción de Charlie Parker ('Now's the time'), pero que también aparece en el discurso de Martin Luther King 'I have a dream'.

Pero la exposición que se abre este viernes en el Guggenheim -y que permanecerá abierta hast a el 1 de noviembre, en curioso diálogo con la otra gran exposición que alberga el edificio, la de Jeff Koons- no pretender ser una proyección del arte de Jean-Michel Basquiat (Nueva York, 1960-1988) sobre los asuntos de nuestra actualidad, sino un desmenuzamiento de su obra en los principales ejes temáticos que le movieron a coger los pinceles en tan corta y prolífica carrera. Comisariada por Dieter Buchhart y Álvaro Rodríguez Fominaya, la exposición se ha realizado en colaboración con la Art Gallery de Ontario (Canadá), donde ya se exhibió, aunque llega ahora a Bilbao ampliada y mejorada, según sus responsables.

Según explicó este jueves durante la presentación de la muestra el director del Guggenheim de Bilbao, Juan Ignacio Bidarte, esta selección de un centenar de pinturas y dibujos de Basquiat convierte a la ciudad vasca "en una referencia cultural en el ámbito europeo» por su exhaustividad a la hora de recordar «a uno de los artistas más influyentes del arte actual", no sólo en el ámbito de las plásticas, sino en la cultura en general.

Con la presencia de Jeanine y Lisane, hermanas del artista, Rodríguez Fominaya ha querido reivindicar los aspectos de Basquiat que recoge la exposición, frente a la "mitología en torno a su figura". Es decir, su consciencia absoluta de la historia del arte, su maestría en el dibujo, su obsesión con la anatomía humana (a raíz de un accidente en el que fue atropellado por un coche siendo niño, su madre le regaló el clásico manual de Gray, cuya presencia es una constante en las obras que conforman la muestra) y su capacidad para deconstruir el arte de forma absolutamente original y premonitoria: en estas piezas Basquiat pinta, borra, repinta sobre lo borrado, tacha, pega, cubre con serigrafías, modifica...

Para Buchhart, el despliegue temático de Basquiat podría resumirse en una frase que dijo el propio artista: "Lo que me interesa es la realeza, el heroísmo y las calles". Tres vértices como los tres picos de las coronas que lucen muchos de sus personajes y que, convertidas otras veces en halos como los de los santos, pretenden dar dignidad a esos héroes afroamericanos a los que idolatra el pintor. Boxeadores como dioses africanos, las piernas de Jesse Owens que derrotaron a los atletas arios en los Juegos Olímpicos de la Alemania nazi, jugadores de 'baseball' cuyos nombres se repiten... Esta exaltación de la negritud protagoniza uno de los primeros espacios, titulado 'Héroes y santos'. Al lado, una sala recoge sus primeros escarceos con el graffiti con el tag SAMO©, acrónimo de"same old shit" ("la misma mierda de siempre"), una escuela de la calle que, sin embargo, tampoco quiso subrayar tras su posterior reconversión al arte de galerías. "La mayoría de estas personas son, sencillamente, racistas", dijo Basquiat en una ocasión sobre quienes le calificaban de 'graffitero'. "Y hablan una y otra vez de graffiti, pero lo cierto es que yo no me considero un artista del graffiti. Tienen esa imagen de mí, la de un hombre asilvestrado que corre, como si fuera un mono salvaje, no sé en qué cojones están pensando".

Conectando con lo anterior, el siguiente bloque, 'Reivindicando historias', aborda estas preocupaciones sociales de Basquiat, materializadas tras la muerte, a manos de la policía, de su amigo, el 'graffitero' Michael Stewart. "Podía haber sido yo, podía haber sido yo", se repite el artista una y otra vez. Y su identificación con Stewart aparece en los lienzos, como llenando la silueta, el hueco que dejó su amigo. Un juego de identificaciones e identidades que sigue en el apartado 'Reflejos' y que ahonda en el tema de la raza. Como recordó Buchhart, a pesar de su meteórica ascensión y de que se convirtió rápidamente en un artista adinerado, Basquiat "no podía coger un taxi en Nueva York" debido a su condición. Una identidad racial todavía más compleja, en cuanto hijo de padre haitiano y madre de ascendencia puertorriqueña, de la que heredó su gusto por introducir palabras en español en sus obras. Por eso, la yuxtaposición fue otra de las constantes en su producción. La sala dedicada a'Dualidades y doble identidad' así lo recoge, como una especie de ying y yang en que la leche es símbolo de pureza y blancura frente al negro que puebla el lienzo. O, tomando un ejemplo mucho más mundano, una galleta Oreo, que encierra entre dos piezas de chocolate oscuro una crema inmaculada, pero que también sirve como metáfora de aquellos negros 'blanqueados' por dentro a los que la comunidad afroamericana se refería con desprecio. Basquiat era consciente que muchos hermanos le miraban así y no dudó en referirse a él mismo de ese modo en algunas piezas.

Este humor continua en el siguiente apartado, 'Jugando a hacer trampas: dibujos y provocaciones', donde se detalla el apropiacionismo del artista a partir de iconos de la publicidad o del lenguaje del cómic, un arte que Basquiat quiso cultivar desde niño y que terminó introduciendo en sus corta-y-pega.

El Guggenheim dedica la sala más amplia de la exposición a las colaboraciones con otros artistas. La más importante fue la que realizó con Andy Warhol, en los últimos años de vida de éste y cuando la crítica le había vuelto la espalda por su avidez de dólares. La presencia de Basquiat rejuveneció al creador de la Factory e incluso volvió a pintar después de muchos años sin coger un pincel. Sin embargo, más que colaboración, aquello fue una "lucha física", en palabras de los comisarios, dado que Basquiat pintaba por encima de lo que había hecho Warhol y, en algunos casos, hasta borraba el trabajo de su compañero. Esto queda reflejado en la pieza'Don't tread on me' ('No me pisotees') en la que Basquiat tomó una de las impresiones del símbolo del dólar que había realizado Warhol y pintó por encima una serpiente y esta frase, asociada a los movimientos anarquistas.

La exposición se cierra con 'Sampling y scratching. Música, palabras y collage', donde se recoge a través de de proyecciones y 'playlists' la relación del pintor con esas otras formas de arte surgidas en Nueva York por aquellos mismos años y vinculadas originariamente al hip hop.

El propio Basquiat produjo algún álbum de amigos 'raperos' y montó un grupo más orientado a la experimentación, Gray, en el que también militaba el actor Vincent Gallo, y que se movía en la órbita de la No Wave neoyorquina, con grupos como ADN, de Arto Lindsay. La conexión musical no se quedó ahí, puesto que el joven pintor apareció en el vídeoclip de 'Rapture', de Blondie, y la cantante de este grupo,Debbie Harry, fue la primera persona que le compró un cuadro, por 200 dólares. Basquiat fue novio de Madonna por una temporada, lo cual muestra también su idea respecto a las relaciones interraciales. Fue amigo y colaborador de Keith Haring, otro de los nombres inevitables del arte de Nueva York de aquella época y contó con la protección de Maripol, figura clave para entender la escena de entonces, quien produjo el filme 'Dowtown81', protagonizado por un jovencísimo Basquiat que quería encontrar su camino, antes de dar el salto de las calles al Olimpo del arte.

Consejos a los JOVEnes Escritores. patti Smith

La cantante, compositora, poeta y fotógrafa estadounidense Patti Smith, también conocida como “la madrina del punk”, ha traído desde su primer disco (Horses, 1975) una visión fresca, feminista e intelectual a la música punk.

A lo largo de una admirable y limpia carrera (como Burroughs le aconsejara) Smith se ha convertido en una de las artistas más influyentes del rock, y ha explorado un tono beat en su poesía y en algunas de sus composiciones musicales.

En esta entrevista realizada por Christian Lund para el Festival de Literatura de Louisiana el 24 de agosto de 2012 en el Museo de Arte Moderno de dicho estado, Smith da consejos para los jóvenes que quieren o tienen previsto dedicar su vida al arte. La artista opina que:  

Cualquier escritor o artista puede esperar ser aceptado por la gente. Yo he grabado discos que parece que no han sido escuchados por nadie, uno escribe libros de poesía que tal vez son leídos por 50 personas, pero uno sigue haciendo su trabajo porque tiene que hacerlo, porque es su vocación, pero es hermoso ser aceptado por el público. Muchas personas me han preguntado: “¿No crees que el éxito te echa a perder como artista? Por ejemplo: un rockero punk no querrá alcanzar un récord”. Y yo digo:”No, jódanse”. Uno hace su trabajo para la gente y a cuantas más personas llega uno, más maravilloso es. Uno no hace su trabajo pensando “sólo quiero que lo lea la gente buena onda”. Uno quiere que la gente se transporte o, con suerte, se inspire gracias a lo que uno hace.

También recuerda los consejos que el poeta William Burroughs le dio cuando ella era joven:

Cuando yo era muy joven, Burroughs me dijo algo cuando estaba esforzándome, ya que nunca había tenido dinero. Y el consejo que William me dio fue: “Crea un buen nombre”, “manten limpio tu nombre”, “no hagas compromisos, no te preocupes por hacer mucho dinero o por ser exitosa. Preocúpate por hacer un buen trabajo, tomar las decisiones correctas y protege tu obra. Y si creas un buen nombre, finalmente ese nombre será su propia moneda”.

La visión de Smith abarca más que el arte; por eso dice que no sólo “ser un artista, en realidad, ser un ser humano en estos tiempos es muy complicado”.

Uno tiene que ir por la vida intentando mantenerse saludable, siendo feliz como se pueda, y buscando hacer lo que se quiere.

En la entrevista, Smith opina que en realidad no importa a lo que quieras dedicarte, lo importante es saber lo que uno quiere hacer:

y buscarlo, y comprender que será difícil, porque la vida es realmente complicada. Perdemos gente que amamos, nos angustiamos, nos enfermamos a veces o tenemos dolor de muelas, otras veces estamos hambrientos, pero, por otra parte, vamos a tener las experiencias más hermosas, a veces sólo el cielo, a veces un trabajo hace que se sienta maravilloso, o encontramos alguien a quién amar.        

Hay que rodar con la vida. Es como una montaña rusa. Nunca va a ser perfecta, tendrá momentos perfectos, y luego etapas difíciles, pero todo vale la pena, créanme. Creo que es así.  

Creo que en la actualidad estamos viviendo algo diferente que nunca he visto. Es una época pionera porque no hubo en la historia otra época como la actual. Y eso es lo que la hace única. No es única porque tenemos artistas como los renacentistas, es única por la gente, es la época de la gente. Porque la tecnología ha democratizado la autoexpresión. En lugar de haber un puñado de personas que hacen sus propios discos o escriben sus propias canciones, cualquiera puede escribirlas. Cualquier persona puede publicar un poema en Internet y tener personas que lo lean, cualquiera puede tener acceso, y puede acceder a aquello a lo que anteriormente nunca pudo acceder.        

Los jóvenes de hoy en día y las nuevas generaciones son los pioneros de una nueva era. Entonces yo digo: Manténganse fuertes, intenten divertirse pero manténganse limpios, manténganse sanos porque tienen muchos desafíos por delante, y sean felices.  

DESIERTO

¿Los animales emiten un chillido humano
cuando su amado se tambalea
abatido como un pájaro arrastrado
por la corriente de un río veteado de azul?

¿La hembra solloza
imitando el sufrimiento del lobo?
¿Los lirios gritan a los cuatro vientos cuando al cachorro
lo despellejan para cuero y madejas?

¿Los animales gritan como los humanos
como yo cuando te perdí
aullé desfallecí
me enrollé como un ovillo?

Así es como
vagamos por el campo helado
descalzos y con las manos vacías
apenas humanos

Sorteando un desierto
que aún no conocemos
aquí es donde el tiempo se detiene
y no tenemos adónde ir.


PATTI SMITH (Chicago, 1946), Poesía, Bassarai Ediciones, Vitoria, 2008, 249 págs. Traducción de ELI TOLARETXIPI
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Adios al Maestro. Umberto Ecco

Murió el escritor italiano Umberto Eco

El escritor, filósofo y semiólogo falleció a los 84 años; se hizo muy conocido por la novela "El nombre de la rosa", que fue bestseller mundial

El gran maestro Umberto Ecco murió a los 84 años debido a un cáncer que afrontaba hace varios años, según informaron distintos medios italianos. Nació en la ciudad de Alessandria, en la región italiana de Piamonte, justo en el centro del triángulo entre Génova, Milán, Turín. Fue uno de los escritores más importantes del siglo XX.

Entre sus principales éxitos literarios, se destacan El nombre de la rosa, que fue traducida a casi medio centenar de lenguas y fue bestseller internacional con más de 30 millones de copias vendidas, y El péndulo de Foucault, que según el mismo escritor, podría leerse como la crítica de El código Da Vinci.

Otras obras importantes fueron El cementerio de Praga y Apocalípticos e integrados,cuya obra de ficción podría enmarcarse sin demasiadas precisiones en el apartado de novela histórica. Su última novela, Número cero, presentada en 2015, se centraba en las crisis del periodismo a partir de la historia de un diario fallido.

Número cero, su última novela

Además de novelas de éxito internacional, en su extensa carrera Eco fue autor de numerosos ensayos de semiótica, estética medieval, linguística y filosofía.

Eco recibió en el año 2000 el premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades y en su obra hay títulos del prestigio y reconocimiento como El Nombre de la Rosa, novela que fue bestseller internacional y fue llevada al cine en una película protagonizada por Sean Connery.

En la última entrevista que le brindó a LA NACION en abril de 2015, Eco reiteró sus críticas al periodismo pero sostuvo que "la existencia de la prensa es todavía una garantía de democracia, de libertad, porque la pluralidad de los diarios ejerce una función de control".

El escritor cuestionó la manera de adaptarse de los diarios con el boom de Internet. "El periódico tiene que saber cambiar y adaptarse. No puede limitarse a hablar del mundo. Ya lo he dicho: tiene que opinar mucho más del mundo virtual. El diario funciona todavía como si la Red no existiera. ¡Es como si no se ocuparan nunca de su mayor adversario!", apuntó.

El gran professore, un encuentro a solas en Milán con LA NACION

"La semana pasada había perdido esto -un pendrive- y podían desaparecer todas mis labores de los últimos treinta años. Estaba desesperado, pero después lo encontré. Es facilísimo perder este pendrive, pero es muy difícil perder toda una biblioteca. El libro da una garantía de supervivencia".

(aquí el texto completo)

Vivian Maier, el eslabón perdido de la fotografía callejera

 La niñera que registró algunas de las mejores imágenes cotidianas del siglo XX y que recién hoy se instala como cultora clave del género, al nivel de Diane Arbus y Robert Frank.

Vivian Maier (Nueva York, 1 de febrero de 1926 - Chicago, 21 de abril de 2009)¹ fue una fotógrafa estadounidense aficionada que trabajó como niñera en Chicago durante cuatro décadas.

Sus padres, refugiados judíos, fueron la francesa Maria Jaussaud y el austríaco Charles Maier.

Pasó su infancia entre Francia y Estados Unidos. Hacia 1930, fue abandonada por su padre. Junto a su madre convivieron una temporada con una pionera de la fotografía, la surrealista Jeanne J. Bertrand; es posible que ahí naciera su interés y su vocación.²

En 1951, con 25 años, se mudó a Nueva York y en 1956 a Chicago, donde pasó la mayor parte de su vida.

Maier no revelaba muchos de sus carretes porque no se lo podía permitir. Solo tomaba fotos sin descanso y sin que pareciera importar el resultado final.

También coleccionaba libros de arte y las esquelas de los periódicos. De una de ellas sacó el relato de una de sus películas en Super 8: la historia de una madre y un hijo asesinados. Maier fue con su cámara y rodó primero el supermercado donde la madre trabajaba; luego, la casa donde vivía con el hijo, y así, uno a uno, todos los lugares en los que ellos habían estado. En una de las cintas que el coleccionista John Maloof encontró, Maier había filmado su idea del paso de la vida:

Tenemos que dejar sitio a los demás. Esto es una rueda, te subes y llegas al final, alguien más tiene tu misma oportunidad y ocupa tu lugar, hasta el final, una vez más, siempre igual. Nada nuevo bajo el sol. ^2 3

En 1959 viajó sola a Egipto, Bangkok, Tailandia, Taiwán, Vietnam, Francia, Italia e Indonesia.³

Vivió en Rogers Park y fue niñera de una familia de North Side en Chicago.³

John Maloof resume la descripción que hacían de ella algunas personas a las que cuidó cuando eran pequeñas:

Era socialista, feminista, crítica de cine y campechana. Aprendió inglés yendo al teatro porque le encantaba. Solía llevar chaqueta de hombre, zapatos de hombre y un sombrero grande. Estaba tomando fotografías todo el tiempo y luego no se las enseñaba a nadie.⁴

Hacia el final de su vida, quedó sin vivienda pero los tres hijos Ginsberg a los que había cuidado de niños le pagaron el alquiler de un apartamento y cuidaron de ella hasta su fallecimiento en 2009.⁵

En diciembre de 2008, cuando caminaba sobre hielo, se cayó y golpeó en la cabeza. Fue llevada a una residencia de ancianos en Oak Park donde falleció cuatro meses después, a los 83 años.⁶

Vivian Maier era una solitaria misteriosa, que según la investigación de Maloof no tenía amigos reales y  ocultaba constantemente su identidad, usando diferentes nombres cuando, por ejemplo, enviaba a revelar sus negativos a los laboratorios. Aún así, la fotógrafa tenía una obsesión por los autorretratos, los que de alguna forma se transformaron en su firma. Alta y tosca para vestir, de mirada penetrante y nunca sonriente, Maier dejaba caer su sombra en lugares desolados o jugaba con su reflejo en cualquier superficie reflectante. Para la fotógrafa local Leonora Vicuña, otra seguidora de su obra, el autorretrato aparece como método de sobrevivencia. “Hay una soledad tremenda en esas fotos, pero también un deseo de dejar huellas. No hay pose, su expresión es seca, es como un registro de existencia. El decir ‘yo estoy aquí, ahora’”.

Maier también fue una aventurera. En 1957 hizo un alto de ocho meses en su trabajo de niñera para hacer un viaje por distintos países, incluidos algunos de Sudamérica: México, Brasil, Colombia y Chile. Según su bitácora, la fotógrafa estuvo en Santiago entre el 30 de marzo y el 4 de abril de 1958. Las fotos que tomó aquí aún son un misterio para el mundo. “Sabemos poco  de este viaje, digamos, solo quizás por los registros de hoteles, barcos. Existen muy pocas fotografías de su estancia en Santiago que podamos afirmar que fueron tomadas allí, y todas estas lagunas participan del misterio de Vivian Maier”, resume la curadora.